De la Rubens la Picasso, șase tablouri care denunțau ororile războiului

„Guernica”, celebra pânză a lui Picasso, a sărbătorit 80 de ani în 2017. De la Rubens și alegoria sa a Războiului de 30 de ani, până la David Olère care periază lagărele morții, alți pictori au denunțat monstruozitățile războiului. Șase lucrări mișcătoare de redescoperit.

rubens

Alegoric sau, dimpotrivă, extrem de grosolan. Dacă picturile care reprezintă războiul sunt legiune, cei care îl denunță nu sunt atât de numeroși. Am reținut șase dintre ele, în timp ce unul dintre cele mai legendare, Guernica lui Picasso, face obiectul unei expoziții la Muzeul Picasso, din Paris, până la 29 iulie 2018. D'Otto Dix și tripticul său La War to the alegory of Războiul de treizeci de ani de Rubens, prin opera teribilă a lui David Olère care a trăit groaza din lagărele morții.

1. „Guernica” lui Picasso (1937): „Nu, pictura nu este făcută pentru a decora apartamentele, este un instrument ofensiv și defensiv de război împotriva inamicului”.

La o săptămână după bombardarea orașului basc spaniol Guernica de către Germania nazistă la 26 aprilie 1937, Pablo Picasso este furios. El ia un creion și schițează pe un mic bloc de hârtie albastră un taur, un cal și o femeie, inspirat din primele trei fotografii ale dramei care au fost publicate în ziarul Ce soir, editat de Louis Aragon. Aceste desene, le va transforma într-o gigantică pictură cubistă, realizată în studioul său de sub acoperișurile Parisului. O pictură destinată Expoziției Universale din 1937 și intitulată Guernica.

Picasso, pentru a realiza această pictură, s-a documentat enorm despre războiul civil spaniol și despre cota sa de orori. Așa a spus curatorul patrimoniului Anne Baldassari, care a regizat Muzeul Picasso din Paris din 2005 până în 2014 și pe care l-am intervievat despre Guernica în aprilie 2017:

Avem o mulțime de fotografii ale fețelor sparte ale războiului civil spaniol, ale propriilor sale desene, studii, texte ... El a scris un text magnific care este practic o coloană sonoră a distrugerii Guernica, un fel de poem care se bazează pe pe cuvântul „plânge”, este într-adevăr un fel de repetare a sunetelor, simțim distrugerea cu zgomotul vaselor, explozia obiectelor familiare care sunt complet pulverizate, tot ceea ce are legătură cu universul domestic, afectiv.

2. „Inaptul pentru muncă” de David Olère (între 1945 și 1962): una dintre primele mărturii ale lagărelor morții

Născut într-o familie de evrei din Varșovia, Polonia, în 1902, David Oler - a luat numele Olère la naturalizarea sa franceză în 1937 - a fost arestat în 1943 și internat în Drancy înainte de a fi deportat la Auschwitz. A rămas acolo până la Eliberare. Angajat într-o echipă Sonderkommando responsabilă de gestionarea crematoriilor, el a fost confruntat frontal cu ignominie. În timp ce membrii acestei echipe sunt exterminați în mod regulat, el însuși supraviețuiește grație desenelor sale, pe care gardienii SS le admiră.

Între 1945 și 1962, el mărturisește despre experiența sa traumatică a lagărelor morții, în desen și pictură.

David Olère a murit la Londra în 1985, chinuit de apariția tezelor negaționiste care puneau la îndoială opera și mărturia sa. Lucrările sale au servit drept dovezi în mai multe procese, inclusiv cea a negatorului britanic David Irving, din 2000.

Uleiul său pe pânză _Les inaptes au travail_l, despre care știm doar că a fost pictat între 1945 și 1962, reprezintă o familie care tocmai sosise în lagărul Auschwitz-Birkenau cu convoi. SS separă „invalizii” (copii, femei, vârstnici.) De „valabili”. În fundal, deportații împing căruțe cu cadavre spre cuptoarele crematoriului.

Pentru a redescoperi: în ianuarie 2017, am dedicat un articol despre modul în care Holocaustul a fost tratat în benzi desenate. Jurnalistul Farah Keram a revenit la opera lui David Olère.

3. „Războiul” de Otto Dix (1929-1932): „Trebuie să-l fi văzut pe omul aflat în această stare furioasă pentru a-l cunoaște puțin”.

La fel ca o pictură religioasă, La Guerre este pictată pe trei panouri din lemn detașabile și, prin urmare, nu a uzurpat numele de „triptic”. Mai ales că Otto Dix a folosit o tehnică veche de pictură bazată pe emulsie, pentru a o realiza: tempara, folosită în principal pentru lucrări religioase. Angajat în armata germană în timpul Primului Război Mondial, a participat în special la Bătălia de la Somme, în Franța. Iese din război, traumatizat, victima coșmarurilor. Apoi pictează ceea ce îl bântuie și, în special, „fețele sparte”.

Când naziștii au preluat puterea, l-au numit pe Otto Dix „artist degenerat”, „bolșevic al culturii”, și l-au demis din postul său din academia din Dresda. Distrugem o parte din opera sa, îl forțăm să se alăture Camerei de Arte a Ministerului Goebbels și să-l cruțăm pe cel de-al Treilea Reich în picturile sale. A fost chemat cu forța pentru pavilion în timpul celui de-al doilea război mondial, a fost capturat de francezi și eliberat în 1946.

Despre tripticul său, el a declarat în 1961 jurnalistului de artă Eva Karcher:

Artistul va lucra astfel încât alții să vadă cum a apărut așa ceva. În primul rând, am descris terifiantele consecințe ale războiului. Nu cred că altcineva a văzut realitatea acestui război ca mine, sfâșieturile inimii, rănile, durerea. [. ] Războiul este bestial: foame, păduchi, noroi, toate acele zgomote nebune. Este cu totul altceva. Uite, înainte de primele mele picturi aveam impresia că încă nu fusese pictat un întreg aspect al realității: aspectul hidos. Războiul a fost un lucru oribil, dar sublim. Trebuia să fiu acolo cu orice preț. Trebuie să fi văzut omul în această stare sălbatică pentru a-l cunoaște puțin.

A ASCULTA: Această formidabilă altară a lui Otto Dix a făcut obiectul programului „Les Regardeurs” în iunie 2015. În care a fost vorba despre experiența sa - de a folosi propriile cuvinte ale pictorului - a „revenirii la viața animală”.

4. „Jocul de cărți”, Fernand Léger, 1917: „Nu există mai mult cubist decât un război ca acesta”.

"Nu există mai mult cubist decât un război ca acesta care împarte mai mult sau mai puțin îngrijit un om în mai multe bucăți și îl trimite în cele patru puncte cardinale". Pe acest tablou de Fernand Léger, trei soldați așezați fumează pipă în timp ce joacă cărți. Ideea acestei lucrări a încolțit în mintea artistului, în timp ce în față, unde a fost mobilizat ca brancardier, din 1914 până în 1917, a încercat să mănânce un joc de cărți. Sub creion, omul apare om-mașină, dezumanizat.

În acest moment, corespondența sa cu prietenul său Louis Poughon mărturisește experiența soldatului văzută prin ochiul artistului. După o zi de luptă la Verdun (unde a fost grav gazat, până la punctul de a fi internat la spitalul Villepinte), el i-a scris după cum urmează:

Există subiecte destul de neașteptate în acest Verdun care sunt potrivite pentru a-mi încânta sufletul cubist. De exemplu, descoperi un copac cu un scaun cocoțat pe el. Oamenii sănătoși vă vor numi nebuni dacă le prezentați o imagine realizată în acest fel. Cu toate acestea, există doar de copiat. Verdun permite toate fanteziile picturale.

A ASCULTA: din 1914, Fernand Léger pare să fi înțeles totul despre schimbările din lumea veche. În mai 1915, el i-a scris criticului și comerciantului de artă Adolphe Basler, amestecând sentimente și analize asupra războiului modern: „Scrisoarea sa este, de asemenea, emblematică pentru moralul trupelor, într-un moment în care armatele franceză și germană se angajează într-o lungă perioadă de timp. războiul de tranșee ”, a analizat scriitoarea și jurnalista Cécile Guilbert, care s-a oferit să citească această scrisoare pe undele France Culture în vara anului 2013:

5. „La 3 mai 1808 la Madrid”, Goya (1814): „A perpetua prin intermediul pensulei acțiunile notabile și eroice”.

Este o pictură mitică, unul dintre pilonii picturii europene, care se remarcă prin compoziția sa. Această scenă tragică pictată de Goya, păstrată la Prado din Madrid, este cunoscută și sub numele de Les Fusillades du 3 mai.

În noaptea de 2 spre 3 mai 1808, soldații francezi au executat în jur de 400 de luptători spanioli ca răzbunare pentru răscoala poporului din Madrid, pe 2 mai, împotriva ocupării orașului de către francezi. "Oamenii înșelați din Madrid s-au lăsat atrași de revoltă și crimă. [.] Sângele francez a curgut. El cere să fie răzbunat", a declarat pe 2 mai 1808 Mareșalul Imperiului Joachim Murat, șeful armatelor lui Napoleon din Spania.

Această rebeliune marchează începutul războiului de independență spaniol, care îl va inspira pe Goya, pictorul curții Spaniei (și care încă trebuise să depună un jurământ de loialitate față de Iosif Bonaparte), o serie de gravuri bine-cunoscute, intitulată „The Dezastrele războiului. "

În același timp, trimis la Zaragoza de generalul Palafox, erou al războiului de independență, Goya dă o relatare prin pictura sa despre asediul orașului, după cum o demonstrează tablourile Fabricarea pulberii în Sierra de Tardienta și Fabricarea bilelor în Sierra de Tardienta, ambele periate în 1810.

Abia în 1814, după eliminarea definitivă a francezilor, Goya a pictat Tres de Mayo și Dos de Mayo (care reprezintă rebeliunea). Fără a fi omis să ceară în prealabil autorizarea guvernului provizoriu, să „perpetueze prin intermediul pensulei acțiunile sau scenele notabile și eroice ale [gloriei] insurecției împotriva tiranului Europei”.

A ASCULTA: În 1976 la France Culture, în programul „Présence des arts”, jurnaliștii și criticii de artă François Le Targat și Pierre Descargues s-au împrumutat pentru o analiză a acestor două picturi de Goya El dos de Mayo și El très de Mayo:

6. „Ororile războiului”, de Rubens (1637): „Sunt un om care iubește pacea”

Din Spania, să trecem la Italia pentru a termina și să ne întoarcem cu câteva decenii în urmă. Războiul de 30 de ani distruge Flandra. Fiind comandat de un alt pictor flamand, Giusto Sustermans, Pierre Paul Rubens decide să reprezinte acest război în masca unei femei în negru, divinitatea Europei. În spatele ei, un copil dolofan își ține atributul în mâini: un glob translucid învins de o cruce care simbolizează creștinismul.

În stânga pânzei este reprezentat templul lui Janus, a cărui ușă este deschisă - în Antichitate, acest templu avea particularitatea de a fi deschis în timpuri de război, care simboliza plecarea zeilor în luptă. Aproape goală, Venus, zeița iubirii, încearcă să-l rețină pe Marte, zeul războiului, care poate fi văzut cu coif și înarmat în centrul picturii: îl apucă de biceps pentru a încerca să-l aducă înapoi la templu. . Dimpotrivă, Alecto, una dintre zeițele infernale Erinyes, blândește o torță și încearcă să-l tragă pe Marte înainte de o parte a mantiei sale roșii. La poalele acestui zeu persecutor, o femeie cu o lăută ruptă întruchipează literalmente armonia ruptă.

Obosit de necontenite conflicte armate, Rubens i-a scris în 1635 intelectualului Peiresc, pe care l-a numărat printre prietenii săi: „Sunt un om care iubește pacea”

A ASCULTA: În 1994, programul „Une Vie, une oeuvre” a urmat pe urmele lui Pierre Paul Rubens, care a spus că a văzut arta ca „un efort pacient de a nu da consimțământul ordinii lumii”: